Klasická hudba ze Spojených států se odkazuje na klasické hudby složené do Spojených států ze XVII th století na různé proudy soudobé hudby Američana.
Nejstarší stopy hudby, kterou předvádějí osadníci na americké půdě, jsou náboženské hymny a žalmy protestantského původu, které byly slyšet již v 70. letech 20. století v Severní Karolíně a Kalifornii . Na cestě k roku 1620 , poutníci z Mayflower představen v Nové Anglii na sborovou tradici, která bude rozvíjet v severních koloniích během XVII th století a XVIII th století. V jižních koloniích hrajeme hudbu inspirovanou francouzskými a anglickými tanci. V roce 1712 vychází Úvod k písni žalmů od Johna Tuftse , první kolekce obsahující hudbu zkomponovanou v Americe. V roce 1735 byla uvedena první opera. V roce 1743 v Pensylvánii byl vytvořen první symfonický orchestr a také první hudební společnost. Jedním z prvních původních amerických skladatelů byl James Lyon , který v roce 1762 složil sbírku žalmů pod názvem Urania ; nejznámější byl William Billings, další sborový skladatel, působící v Bostonu, jehož New England Psalmsinger byl velmi populární. V roce 1766, Sainte Cécile společnost byla založena v Charlestonu , Jižní Karolína , první hudební společnosti na organizování koncertů soukromé předplatného, který hrál mimo jiné hudbu Carl Friedrich Abel, Johanna Christiana Bacha, Josepha Haydna a Wolfganga Amadea Mozarta.
Od Revolutionary války do počátku XIX th století, Philadelphia se stala hudebním centrem Spojených států , které vyvíjí velké hudební aktivity, a to zejména pod vedením anglického varhaník Alexander Reinagle , která organizuje několik "město koncertů“ . Byl také hudebním ředitelem Philadelphia Theatre . Londýnský hudebník James Hewitt složil v roce 1794 první operu na americké půdě s názvem Tammany a dostal se na výslní klavírní sonátou The Battle of Trenton věnovanou prezidentu Washingtonu. V roce 1818 Anthony Philip Heinrich , původem z Čech, byl jedním z prvních hudebníků před Dvořákem, který hájil tvorbu hudby pomocí autentických amerických idiomů a bez evropských vlivů. Poté, co se na rok odloučil v Bardstownu v Kentucky a otřel si ramena o kmen indiánů, začal se zajímat o tradiční indiánskou hudbu a používal ji ve svých skladbách. Jako dirigent byl prvním dirigentem Beethovenových symfonických děl ve Spojených státech. Lowell Mason , varhaník a bankéř, vydal v roce 1821 sbírku náboženské hudby a propagoval hudební vzdělání ve Spojených státech a založil hudební akademii v Bostonu . V roce 1842 byl vytvořen Newyorský filharmonický orchestr .
V druhé polovině XIX th století vidí objeví několik hudebních proudů, kromě náboženské hudby již přítomné od XVII -tého století . Lyrická oblast zná jeho první díla složená Američany, jejichž jazyk je stále ovlivněn italskou operou. William Henry Fry (in) píše první americkou operu Leonora, po které následuje George Frederick Bristow (in) Rip van Winkle .
Spojené státy rovněž navázal na hudební jazyk německé školy, několik skladatelů jako John Knowles Paine tvořil v Německu . Varhaník Dudley Buck komponuje oratoria inspirovaná wagnerismem. V této době se také objevují skladatelé klasifikovaní jako nezávislí, protože nejsou připojeni k žádné hudební škole. To je případ Louise Moreaua Gottschalka, skladatele a virtuózního klavíristy, jehož jazyk byl inspirován kreolskou hudbou New Orleans , který cestuje po celé zemi, a po válce emigroval do Jižní Ameriky . Sidney Lanier , básník a hudebník, který předčasně zemřel na tuberkulózu , nechal hudební dílo považované za originální, které však během jeho života nebylo uznáno a zastíněno jeho básnickým dílem. Další předčasně zemřelý hudebník Stephen Foster byl jedním z nejplodnějších skladatelů populárních melodií.
The 23. října 1883je slavnostně otevřena Metropolitní opera v New Yorku . Jmenování od roku 1892 do roku 1895 o Antonínu Dvořákovi jako ředitel New York Národní konzervatoře ho vedlo k odsuzovat vliv německého estetické nadřazenosti, který panoval v hudební výchově, on povzbudil jeho studenty a amerických skladatelů obecně čerpat inspiraci z populární a domácí hudbu za účelem autentické tvorby americké hudby.
Někteří skladatelé však nečekali, až se Dvořák ve svých dílech pokusí o američtější výraz, jako tomu bylo v případě Edwarda MacDowella školeného v Evropě. Jeho hudba v romantickém stylu si půjčuje od indiánské hudby a irského folklóru.
Bostonská školaOd konce XIX -tého století do první světové války , skupina skladatelů a učitelů hudby, seskupených pod názvem School of Boston (English Second New England School ji odlišit od prvního New England School , která označuje následovníky Viléma Billings), dominuje klasickému hudebnímu životu ve Spojených státech. Ačkoli nebyl založen tuto skupinu, vliv John Knowles Paine byl u zrodu její ústavy. Hlavními představiteli byli George Chadwick , Arthur Foote , Horatio Parker , Amy Beach (první skladatelka ve Spojených státech) a Daniel Gregory Mason . Měli společné to, že pocházeli z Nové Anglie , studovali hudbu v Evropě (kromě Arthura Foote) a skládali a učili podle germánské hudební estetiky.
XX th století je považován historiky hudby ve Spojených státech , jako je ten, který říká, že pokud je nezávislý americký hudební identity evropského vlivu. První polovinu století představují hlavně postavy Charlese Ivesa , Georgese Gershwina a Aarona Coplanda, kteří symbolizují tři různé styly, ale mají společné to, že jsou konkrétně američtí. Druhou polovinu století představují Elliott Carter , John Cage, hlavní postava newyorské školy a druhé americké hudební avantgardy, a Philip Glass , jeden z nejslavnějších představitelů minimalistické hudby .
První avantgarda (1920-1940)Charles Ives je považován za otce moderní americké hudby, první skladatel, který ve své hudbě používá jedinečně americký jazyk, ale jeho izolace nezískala americkou hudební komunitu uznání až do roku 1927, kdy se setkal s moderním skladatelem Henrym Cowellem . Cowell propaguje moderní americkou hudbu svým časopisem New Music, kde publikuje díla Carla Rugglese nebo Wallingforda Rieggera . Edgar Varèse založil v roce 1927 Panamerickou asociaci, která propagovala americkou experimentální hudbu a jejíž členy kromě Varèse a Cowella, kteří spolku řídili, byli Ruggles, Ives a mexický skladatel Carlos Chavez .
V této skupině bude hrát důležitou roli další hudebník, dirigent Nicolas Slonimsky , který v čele bostonského komorního orchestru bude hrát a propagovat avantgardní hudbu ve Spojených státech a v Evropě, v Paříži, Berlíně nebo Budapešti.
Vliv Nadie BoulangerovéOd dvacátých let 20. století přišlo na americkou konzervatoř ve Fontainebleau několik mladých hudebníků, aby trénovali u Nadie Boulanger, jejíž vliv na moderní americkou hudbu byl rozhodující tím, že předvedl díla skupiny šesti a Igora Stravinského . Aaron Copland byl jeho prvním žákem, následovali Roy Harris a Walter Piston, kteří měli být mezi hlavními představiteli amerikanismu a neoklasicistního proudu. Roger Sessions se obrátil ke stylu ovlivněnému vídeňskou školou, Virgil Thomson , který se jako první americký skladatel zajímal o hudbu Satie a Elliotta Cartera , najednou v roce 1959 přešel z neoklasicistního psaní na hudbu v originálním jazyce pomocí systém metrických modulací.
Philip Glass byl jedním z posledních amerických skladatelů, kteří trénovali s Nadií Boulangerovou.
George Gershwin a Symphonic JazzGeorge Gershwin je jedním z prvních amerických skladatelů, který získal uznání v Evropě, a to díky svému symfonickému jazzu, hudebnímu žánru zavedenému od roku 1924, jehož je nejznámějším představitelem. Jeho Rhapsody in Blue si vysloužil obdiv Maurice Ravela , Jacquesa Iberta a Arnolda Schoenberga . Pro Andrého Gauthiera je Gershwin jediným americkým skladatelem, který „definoval svou zemi v původní syntaxi“.
Dlouho před Gershwinem používali jiní skladatelé syntaxe jazzu a ragtime , například Charles Ives z roku 1902 se svými tanci Three Ragtime , John Alden Carpenter v roce 1915 se svým koncertem Concertino pro klavír a orchestr a autor ragtime Scott Joplin , první Afričan -Amerik se svým žánrem opery přibližuje svým dílem Treemonisha zkomponovaným v roce 1917. Klasicky strukturovaný opakovaně vyzývá k rytmu a zvukům ragtime .
Afroameričtí skladateléAfroamerická komunita dala vzniknout několika skladatelům, z nichž nejznámější zůstává William Grant Still , student George Chadwicka a Edgara Varese, který pro svá díla čerpal inspiraci z afroamerické kultury a jehož první symfonie nesla název Afro- Americká symfonie . Howard Swanson , narozený v Atlantě, student Nadie Boulanger, uvidí svou Krátkou symfonii vytvořenou Dimitrim Mitropoulosem při dirigování Newyorské filharmonie .
Evropské uznání a přistěhovalectvíEvropský hudební svět objevuje klasickou hudbu Spojených států ve 20. letech 20. století, kromě Gershwina si všiml dalšího skladatele George Antheila , který se usadil v Paříži a třel si ramena s hnutím Dada . Byl skandálním úspěchem se svou experimentální prací Ballet Mécanique vytvořenou dne19. června 1926v Théâtre des Champs-Élysées , mimo jiné pro tuto práci využívající letecký motor, je v souladu s italskými výrobci hluku .
Od 30. let, po nástupu nacismu a po druhé světové válce, která následovala , přišlo do Spojených států uprchnout několik evropských skladatelů a hudebníků, jako jsou Arnold Schönberg , Paul Hindemith , Kurt Weill , Igor Stravinsky nebo Béla Bartók . Schönberg, instalovaný na západním pobřeží v roce 1934, bude učit serialismus jako profesor kompozice na University of Southern California .
Prix de Rome v roce 1935 získal Samuel Barber uznání, když Arturo Toscanini vytvořil své Adagio pro smyčce, což z něj učinilo nejslavnějšího představitele amerického novoromantického hnutí. Jeho starší Howard Hanson přezdívaný „americký Sibelius“ prohlásil tuto estetiku, proti které se postavil proti moderní hudbě, kterou označil za „chladnokrevnou hudbu“, protože není založena na emocích. Toto hudební hnutí dodnes zastupuje John Corigliano a skladatel filmové hudby John Williams .
Cage a druhý předvojStejně jako dříve u Nadie Boulangerové je u americké hudby rozhodující výuka Arnolda Schoenberga. Mezi jeho studenty je nejdůležitější John Cage, vůdce druhé americké avantgardy, která se odklonila od serialismu a vyvinula se k hudebnímu jazyku ovlivněnému orientálními perkusemi a Yi Jingem , který ho inspiruje konceptem neurčitosti. . Jeho experimenty vyvrcholily v roce 1949 Sonátami a přestávkami pro připravený klavír , jedním z jeho nejznámějších děl, v nichž přeměnil klavír na bicí nástroj přidáním heterogenních předmětů do svého mechanismu, jako je guma nebo matice, včetně ' umístění a povaha ovlivňují zvuk podle toho, kde jsou umístěny.
Mladí skladatelé, kteří se k němu přidají při založení Newyorské školy, jsou David Tudor , Morton Feldman , Christian Wolff a Earle Brown .
Nezávislí skladateléJednou ze zvláštností americké hudby je zahrnutí skladatelů, jejichž hudební psaní svým eklekticismem nebo svou originalitou je nepřipojuje k žádné konkrétní škole nebo umělecké skupině. Byli sjednoceni pod pojmem „American Mavericks“ a zahrnují jednotlivce tak odlišné, jako je Harry Partch, průkopník mikrotonální hudby, Conlon Nancarrow známý svými skladbami na mechanickém klavíru , George Crumb , Carl Ruggles nebo Henry Brant . Elliott Carter je jedním z nejvýznamnějších nezávislých skladatelů, který si od padesátých let vytvořil velmi osobní jazyk, který se odlišuje jak od avantgardních technik, od postserialismu , od používání náhodnosti nebo elektroniky, tak od amerických proudů minimalistické hudby nebo symfonický jazz.
Dirigent Michael Tilson Thomas jim v roce 2001 věnoval festival, který představil rozmanitost jejich hudby.
Americké post-seriályZatímco v Evropě v 50. letech převládal postserialismus zejména vlivem darmstadtské školy , ve Spojených státech stejně jako jiné hudební styly nezaujal dodekafonismus dominantní postavení a paradoxem je, že americké období Schoenberga, který představil tento hudební jazyk v zemi, je poznamenán návratem k tonalitě. Po jeho smrti si tuto hudební techniku osvojí další nedávno naturalizovaný americký skladatel Igor Stravinskij. Hlavními americkými představiteli postserialismu jsou Wayne Barlow, který byl žákem Schoenberga, Milton Babbitt a George Rochberg . Americká sériová škola se snažila vymanit z vídeňského dědictví zkoušením volnějších přístupů k dvanácti tónům, například jejich kombinací s tonálním písmem, jak to udělali Harrison Kerr a Ross Lee Finney .
Leonard Bernstein a šíření americké hudbyOd padesátých let s rozmachem nahrávacího průmyslu, rozvojem rozhlasu a nástupem televize zaznamenala americká hudba širší distribuci, zejména díky iniciativě značek, které nabízejí sbírky věnované americkým skladatelům, jako je Mercury Records, jejichž kolekce Living Presence představuje díla Chadwicka, Samuela Barbera, Virgila Thomsona, Mortona Goulda nebo Henryho Cowella od Howarda Hansona dirigujícího Eastman Rochester Orchestra.
V roce 1958 převzal vedení Newyorské filharmonie následující generace dirigentů z Evropy, včetně Serge Koussevitzkyho , Artura Toscaniniho a Dimitriho Mitropoulose , Leonard Bernstein, který se stal prvním dirigentem narozeným ve Spojených státech. Držitelem amerického orchestru mezinárodního formátu. Pokud není prvním dirigentem propagujícím americkou hudbu (Toscanini a Koussevitsky zadali díla od Samuela Barbera nebo Aarona Coplanda), bude tím, kdo bude nejvíce hájit obranu hudby své země, zejména nahrávkami, a uspořádáním řady televizních koncertů v rámci Young People's Concerts , programu popularizujícího klasickou hudbu mezi diváky. Jeho velmi pestrý repertoár sahá od Charlese Ivesa (pro kterého měl premiéru Symphony No. 2) až po Lukase Fosse , včetně Coplanda, Schumana, Cartera a Shullera.
Jako skladatel navazuje na Gershwinův symfonický jazz se svými muzikály Příběh města a West Side a jeho balet Fancy Free a v proudu neoklasicistního symfonismu pod vlivem Aarona Coplanda se svými třemi symfoniemi.
Elektroakustika a kazetová hudbaNa přelomu století se francouzský skladatel Edgar Varèse , který emigroval do Spojených států v roce 1915, ve věku 32 let, zajímal o použití nástrojů, které by mohly produkovat nové zvuky. V roce 1933 se obrátil na Guggenheimovu nadaci za účelem financování výstavby studia elektronické hudby a v roce 1934 složil společnost Equatorial, která využívala nástroj pro generování vln Theremine , který vynalezl Léon Theremin . Ruský inženýr bude rovněž stavět na Henry Cowell se Rythmicon , nástroj schopný produkovat širokou škálu rytmických kombinací.
V roce 1946 založil jazzový hudebník Raymond Scott Manhattan Research , první studio složené převážně z elektronických nástrojů.
The 28. října 1952, Otto Luening a Vladimir Ussachevski of Columbia University vystoupí na Muzeu moderního umění v New Yorku s Fantasy v prostoru, kompozice pro magnetické pásky. V roce 1958 založili Columbia-Princeton Electronic Music Center, nejrozvinutější výzkumné středisko elektronické hudby v té době. Jejich práce sdružuje skladatele jako Roger Sessions a Milton Babbitt, kteří v roce 1964 složili Ensembles pro syntezátor se syntezátorem centra RCA Mark II.
Richard Maxfield, který pracoval s Johnem Cageem , skládá čistě elektronická díla a je také inspirován konkrétní hudbou . Vyučuje elektronickou hudbu na New School for Social Research v New Yorku a mezi jeho studenty patří La Monte Young, s nímž se účastní koncertů elektronické hudby konaných v Yoko Ono's .
Vznik konceptuální hudbyV souladu s cestami, které John Cage otevřel radikálním experimentům, se koncem šedesátých let objevila generace skladatelů, kteří se zajímali o interdisciplinaritu, obnovu hudebního jazyka a používání netradičních technik. Vznik konceptuální hudby založené na představení akcí blížících se hudebnímu divadlu, kde se setkávají vlivy dadaïame, literatury a technologických zpráv, rodí sérii děl šířených prostřednictvím skupiny Fluxus , kterou založil interdisciplinární umělec Georges Maciunas kolem roku 1961. Fluxus spojuje zejména interdisciplinární skladatele, jako je Nam June Paik , Philip Corner , Yoko Ono , Yasunao Tone , Charlotte Moorman , George Bretch , Pierre Mercure a Ben Patterson . Během šedesátých let měly večery kapely spojené s Fluxusem často podobu koncertů pořádaných v Maciunasově podkroví v Soho v New Yorku (nyní Emily Harvey Gallery). Většina konceptuální hudby je interpretována z textových nebo grafických kompozic bez použití tradičního hudebního zápisu.
Hudba živě elektronickáDalší přístup, více zaměřený na používání elektronických hudebních nástrojů speciálně určených pro konkrétní projekty, spojuje skladatele, z nichž mnozí jsou spojeni s taneční společností Merce Cunningham, jejímž hudebním ředitelem je John Cage . Skladatelé David Tudor , Gordon Mumma , Alvin Lucier , David Behrman , Robert Ashley , Pauline Oliveros předvádějí živé elektronické skladby v rámci choreografických nebo interdisciplinárních představení. Hudba produkovaná skladateli tohoto hnutí měla výrazný vliv na různé proudy psychedelické hudby šedesátých let, na alternativnější proudy průmyslové a hlučné hudby, které se v Evropě, Severní Americe a Oceánii objevily ke středu. ( Nurse with Wound list ) a živá elektronická experimentální hudební hnutí 90. let.
Minimalistická hudbaV 60. letech se američtí skladatelé La Monte Young a Terry Riley , původně inspirovaní experimentálním přístupem Johna Cagea , mimozápadní hudbou i jazzem , odvrátili od ultrakomplikovanosti serialismu . Vymýšlejí takzvanou minimalistickou hudbu , vytvořenou z dlouhých a šetrných not, dlouhých tich, s absencí rytmu a melodie. Těchto několik pomalu se vyvíjejících zvuků budilo dojem stagnace.
Terry Riley, poté Steve Reich a Philip Glass poté vytvářejí hudbu na základě opakování krátkých hudebních vzorů, pravidelných pulzací a domnělého návratu k tonální hudbě . V C ( 1964 ) Terryho Rileyho je klíčovým dílem tohoto hnutí, které se také říká minimalistická hudba a jehož vrchol dosáhne v letech 1964 až 1976 s díly Reicha, jako jsou Piano Phase (1969), Drumming (1971) a zejména Hudba pro 18 hudebníků (1976) a Glass jako Hudba ve dvanácti dílech (1974) nebo opera Einstein na pláži (1976).
Elektronika a hudba na pásku budou hrát významnou roli ve vývoji minimalistické hudby . La Monte Young , Terry Riley a Steve Reich to využívají zejména v živé hudbě s využitím zařízení San Francisco Tape Music Center . Minimalistická hudba se původně vyvinula daleko od tradičních okruhů, koncerty se konaly v uměleckých galeriích nebo v soukromých domech, například v podkroví Yoko Ono . První koncerty v sálech klasické hudby vyvolaly skandály v 70. letech, než si získaly skutečnou popularitu.
Vývoj minimalistické hudby se poté spojuje s postmoderní hudbou . John Adams, jeden z nejnadanějších představitelů, přebírá některé z charakteristických znaků minimalismu, ale vrací se ke klasickým formám a orchestraci, často s humorem a ironií.
Koloniální hudba, nebo „Early American Music“ se objevil v koloniích Severní Ameriky od XVII th století až do nezávislosti. Hudba je náboženská a světská a styl je podobný hudbě, která se hrála současně v Evropě.
Tance, které se objevují na počátku XVIII . Století, znovu nabývají módy v klasické Evropě a jsou anglického a francouzského původu, jako jsou menuety , gavotky , country tance , německé a anglické country tance, jako je odvozený kotillon. francouzského country tance.
V XVIII th století klasicismus není uložena ve Spojených státech, není nativní skladatel napsal velkou práci srovnatelnou s Mozarta či Haydna. Anglického skladatele Alexandra Reinagla lze považovat za hlavního představitele tohoto proudu s hudbou ovlivněnou Carlem Philippem Emmanuelem Bachem a Haydnem. Nejoriginálnějším příspěvkem ke klasické hudbě ze Spojených států byl podivně znějící hudební nástroj, skleněná harmonika , kterou vynalezl Benjamin Franklin . Bude znát velkou módu v Evropě a několik skladatelů jako Gluck, Mozart nebo Hasse, fascinovaných svým zvukem, píše skladby pro tento nástroj.
Neoklasicismus se neobjevuje jako výsledek klasicismu, ale o více než sto let později pod vlivem učení Nadie Boulangerové . Tento charakteristický proud americké symfonické hudby je považován za akademický nebo dokonce bombastický, protože jedno z reprezentativních děl bylo nazýváno například třetí symfonií Aarona Coplanda a jeho slavné Fanfare pro obyčejného člověka . Kromě Coplanda jsou dalšími zástupci Virgil Thomson a Walter Piston . Takto si to vyzkoušeli i jiní skladatelé s více eklektickým stylem, například Leonard Bernstein s jeho operou Candide .
Ze všech hudebních proudů romantismu a jeho pokračováních, po romantismus a neo-romantismus , zvítězí téměř jedno století ve Spojených státech, svědčí o nadřazenosti germánských estetiky v průběhu 19. století. Tého století zčásti k příchodu do země německých a rakouských hudebníků a skutečnost, že v Německu studovalo několik amerických skladatelů .
Jeden z hlavních představitelů romantismu byl skladatel symfonií John Knowles Paine , jehož vliv na škole Boston byl na základě amerického romantického školy, která převládala v Nové Anglii na konci 19. století. Th století. Americká romantická hudba vděčí za svůj estetický vliv hlavně hudbě Brahmse , Daniel Gregory Mason napsal v roce 1895 „Díky bohu Wagner je mrtvý a Brahms je naživu. ". Na začátku XX . Století začali i hudební skladatelé, kteří se později vyvinou moderním způsobem, zahájit hudební výcvik pod záštitou romantického stylu. To byl případ Charlese Ivesa, jehož rané produkce naznačují romantický vliv jako v jeho první symfonii , nebo jeho písně na německé básně, když studoval na Yale u Horatia Parkera, jednoho z vůdců bostonské školy.
Post romantismus Howard Hanson a neo-romantismus Samuela Barbera , jsou reakce proti modernismu na XX th století a pokračovat v germánské tradici, zavést i další vlivy, jako jsou ty Jean Sibelius a Sergej Rachmaninov skladatelů nedávno objevil ve Spojených státech v Na počátku XX th století.
Ve Spojených státech existuje několik škol a přístupů k mikrotonální hudbě, které jsou odvozeny z vlivu tradiční americké hudby, evropské nebo východní a daleko východní hudby. Různá mikrotonální hudba může být rozdělena do čtvrttónové hudby , přirozeného rozsahu nebo stejného temperamentu. Zaměstnáváme klasické hudební nástroje, tradiční hudbu, nástroje vyrobené speciálně pro tuto hudbu nebo elektronické nástroje.
Mikro-tonální hudba se objevuje u Charlese Ivesa , prvního skladatele, který v některých svých dílech používá čtvrttónový systém psaní. Například jeho Three Piano Pieces in Quarter Tone jsou psány pro dva piana, z nichž jeden musí být naladěn o čtvrt tón vyšší než druhý, nebo jeho melodii Like a Sick Eagle, kde musí zpěvák předvést čtvrttónovou melodii.
Prvním skladatelem, který ve své hudbě používal výhradně mikrotonální psaní, byl Harry Partch, který vyrobil nástroje speciálně určené pro tento účel.
Americký festival mikrotonální hudby (AFFM) založený v roce 1981 skladatelem Johnnym Reinhardem představuje a propaguje různé přístupy k současné mikrotonální hudbě.
Obvyklých ingrediencí minimalistické hudby je tři:
Pojem minimalistický však spojuje velmi odlišnou hudbu a techniky. Dílo La Monte Younga , Trio for Strings ( 1958 ), stále inspirované serialismem , složené pouze ze zvuků držených několik minut, otevírá cestu k proudu dronu a hudbě upřednostňující meditaci. Young a Terry Riley, silně ovlivnění jazzem, ve svých skladbách intenzivně využívají improvizaci a dokonce i jazzové standardy .
Steve Reich a Philip Glass zefektivňují své metody psaní písní generováním hudby z procesu, který je sám o sobě dost jednoduchý na to, aby byl posluchačem slyšet. Reich navrhuje to, co nazývá „ fázováním “, zatímco Glass vymýšlí metodu rozšiřování a smršťování základních hudebních motivů. Tyto dva generační procesy zahrnují krátké hudební vzorce (rytmické a / nebo harmonické) opakované mnohokrát a kombinované různými způsoby podle pravidelného rytmu .
Hudební život ve Spojených státech se vyvinul založením několika orchestrů, které umožnily propagovat klasickou hudbu nejprve v Evropě a později v Americe. Prvním orchestrem založeným ve Spojených státech byla v roce 1842 Newyorská filharmonie, kterou založil Ureli Corelli Hill , ve stejném roce jako Vídeňská filharmonie.
V New Yorku se vyvinuly i stálé orchestry, například Symphonic Society of Leopold Damrosch, bývalý ředitel filharmonie, nebo orchestr Theodora Thomase, který před založením a dirigováním v roce 1891 vystoupil na turné po národním území. Chicago Symphony Orchestra .
Na rozdíl od Evropy, jejíž orchestry závisely na operách financovaných vládou, velké americké orchestry vděčí za svůj vývoj soukromému financování amerických mecenášů a průmyslníků. Patron Henry Lee Higginson založil Bostonský symfonický orchestr v roce 1883 ; v roce 1891 financoval podnikatel Charles Norman Fay Chicagský symfonický orchestr.
Role evropských hudebníků byla až do první světové války určujícím faktorem v uměleckém vývoji těchto orchestrů, zejména díky významnému přínosu německých přistěhovalců. Berlínští hudebníci založili společnost Germania, která v letech 1848 až 1854 propagovala germánskou hudbu ve Spojených státech. Georges Liebert naznačuje, že germánský vliv byl takový, že jazykem zkoušek téměř všech amerických orchestrů byla němčina.