Malba, v Koreji , forma korejského umění obzvláště pozoruhodné, které se projevují ve většině různých podobách již od antických nástěnných maleb zachovaných v hrobkách království Koguryo , buddhistické transparenty s intenzivními barvami, obrazy písmeny inkoustem, dekorativní zástěny, ani malovat, jak je praktikována v současném umění . Moderní korejská malba zahrnuje také díla korejských umělců na celém území Koreje , Severní Koreje a Jižní Koreje a v korejské diaspoře roztroušené po celém světě.
Různé formy kresby, štětce a inkoustu jsou právem formy malby na Dálném východě. Gramotná malba jako umění kaligrafa, který pracuje po řádcích a víceméně zavádí do svého obrazu vodu. Tato tradiční čárová malba se používá k výrobě dřevěných rytin pro tisk ilustrovaných knih, které zde patří k nejstarším na světě. Na druhou stranu se design vyrytý na kameni během pravěku, stejně jako v případě petroglyfů z Bangudae , týká obecněji korejského umění .
V celé historii korejského malířství existují dvě kategorie malby: malba profesionály a malba vědců. Tyto obrazy učenců , čínské tradice, protože X -tého století, které nejsou uváděny na trh v zásadě, ale obchoduje nebo daný jako dary. Jsou vyrobeny inkoustem a diskrétními barvami („světlé barvy“), na hedvábí nebo na papíře, zejména moruše . Malba profesionálové, který dělal rozsáhlé užití barev, starší tradice, Korea ve IV th století zdobily nějaké knížecí hrobky z Koguryo éry, ale také vládní budovy, domy honorace a chrámů, a ty, bannery reprezentovat božstva, a to používané při výrobě masek, používané na festivalech. Tito profesionálové prováděli, přinejmenším na konci Joseonova období, objednávky obrazovek pro určité literáty a obrazy s rituální funkcí, tyto minhwa , populární obraz, který se také setkává na hrobkách a na dveřích. Nakonec šamanské obrazy, vzácné, které obřady přežily. Kromě malby, vlastní, nesmíme zapomenout na dlouhou tradici dřevorytů, která poskytovala ilustrace v buddhistických dílech. Ty slouží jako odkaz na proud moderního korejského umění Art minjung (in) .
Témata obrazů jsou proto různorodá. Stejně jako v čínské malbě můžeme v literatuře literátů rozlišit několik žánrů: krajinomalbu, sansuhwu ([hory a vodu], blízkou malbě shanshui ), portréty a malbu ptáků a ptáků. Zvířata, yeongmohwa (srovnatelné s čínskou malbou) „květiny a ptáci“ , ale velmi odlišný od něj). Tyto první předměty, na jednotlivých rolích a na albových listech nebo vějířích, ale dokonce i na papírových lucernách (poslední dva jsou někdy integrovány jako albumové listy), produkují vědci v období Joseon a podle konkrétní hierarchie. Do Koreje, která umístí na vrchol bambus, poté krajinu, portrét a poté zvířata, „květiny a ptáky“. Profesionálové vytvářejí obrazovky, do kterých se vejdou krajiny, kaligrafické postavy, reprezentace typických interiérů: gramotná knihovna a mnoho dalších vzorů, někdy doplněných geometrickým vzorem. Minhwa často představuje tygra a straku.
Rozdíl mezi malbou profesionálů a malbou písmen je založen na rozdílech ve stavu podle neo-konfuciánské ideologie: malování dopisů (po obdržení literární kultury), které bylo založeno na výrazových kvalitách kaligrafie a her na podporu vody , bílá, použila jen několik světlých barev, použití světlé barvy by udělalo malbu vulgární a bránilo by představivosti. Naopak v náboženském umění, zejména v té době buddhistickém, byly dřevěné budovy často zdobeny brilantními barvami, které navazovaly na tradice čínské architektury. Stejně tak vlivy buddhistického a indického umění prosazovaly bohaté využití čistých barev.
Korejské náboženské malířství sleduje obecný umělecký trend v Asii. Je založen na buddhistickém umění, představujícím Buddhu nebo buddhistické mnichy, a na konfuciánském umění, představujícím klidné učence nebo studující v horách. Buddhové jsou často zobrazováni s korejskou tváří v klidové poloze. Aura nemusí být nutně zlatá, může být vyjádřena světlejšími barvami. Reprezentace tváří směřuje k realismu, který zdůrazňuje jejich lidskost a věk. Tváře a přehodil XV th století, nevykazují žádnou „stín“. Ty jsou pak označeny mrtvice inkoustu, ale odstíny umožňují lehce určit objemy z XVIII -tého století. Stejně jako u západních umělců středověku a renesance, drapérie a tváře jsou často vyráběny dvěma nebo třemi umělci, kteří se specializují na konkrétní malířskou techniku. Ikonografie se řídí pravidly buddhistické ikonografie pro buddhistické malby.
Portréty králů a učenců jsou zobrazeny podle kódů čínského portrétu, v plochých barvách a inkoustovými linkami. Tradiční kroj prošel jen nepatrnými variacemi, je to hanbok . Jejich černobílé šaty rozlišit období, růžové probíhají učenci v XVIII -tého století. Tradiční pánské klobouky ( gat ) jsou vždy černé barvy.
Hroby zachované na území starověké království Koguryo (druhé poloviny IV -tého století - 668) částky, která má asi 15 000, z toho sto freskami, nejvíce v povodí Taedong poblíž Pchjongjangu . V tomto období se hrobky Enakova ( n O 3), by byl nejstarší, datováno 357, ale pravost tohoto nápis v inkoustu je v pochybnost. Vědecká komunita tam vidí portrét krále Kogugwona, který zemřel v akci v roce 371. Kromě tohoto vyobrazení, postaveného podle kódů malby dynastie Han , kde je král obklopen svými poručíky a jeho manželkou, je nejznámější obraz loveckých scén v Hrobce tanečníků, kde jsou parthští jezdci chyceni v akci. Hrobky království Koguryo vidí složité odkazy kombinované, víceméně hustě na všech stěnách a stropech. Motivy ochranných božstev světových stran, opakující se motivy, dávají příležitost vytvořit tyto kombinace konstrukcí těchto hybridních postav a hrát si s křivkami, propletenými z potěšení.
Nástěnné malby Hórjudži , jednoho z pokladů Japonska, namaloval Damjing , mnich z Kogurya.
Nástěnná malba. Královská manželka a její následovníci (?). Pravděpodobně 371.
Král Kogurya. Anakova hrobka číslo 3 , Hwanghae . Pravděpodobně 371.
Nuwa , bohyně měsíce, hrob Ohoe n o 4 . Konec VI th začíná VII th století. Dawangcun, Ji'an (Jilin)
Nástěnná malba. Parthští lovci . Hrobka Muyong, Koguryo . V th století. Ji'an (Jilin) , v současné době v Číně
The Black Turtle of the North / The Black Warrior Wall painting, print. Tři hrobky Kangso , tady Gangseo Daemyo.
Malba a kaligrafie království Silla (57 př. N. L. -935) zcela zmizely. Malovaná zeď objevená na chodbě hrobky z období Tang (706), zeď prince Zhang Huai (Li Xian) představuje vyslance z přítokových zemí, včetně vyslance ze Silly, s charakteristickou čelenkou, kónickou korunou s dvě boční větve.
Bodhisattva Avalokiteshvara na Měsíci. Svislý svitek, inkoust a barvy na hedvábí. Goryeo, 1310. Chrám Kagami Jinja, Shiga , Japonsko
Bodhisattva Avalokiteshvara na Měsíci. 1310. Totéž, detail. Barvy na hedvábí. Sada: 430 cm x 254 cm
Lotus Sutra . Rukopis, c. 1340, skládací kniha, zlato a stříbro na moruše, obarvené indigem . Výška 11,4 cm . The Met.
Kšitigarbha (Chijang). Svislý svitek, inkoust a barvy na hedvábí. Výška 84,5 cm . Goryeo první polovině XIV -tého století. The Met.
Desátý král podsvětí. Výška 61,2 cm.
Buddha Amitabha. Zachováno v Gyokurin-in, Kjóto
První dny této dynastie Goryeo jsou poznamenány obdobím prosperity, které je v hlavním městě patrné luxusem, který se zde odehrává, obdobím mírových hospodářských a kulturních vztahů s Píseň a velkým významem pro tehdejší korejskou kulturu. Školení správních úředníků vychází z čínského modelu vzdělaných lidí; poezie je její důležitou součástí.
Buddhismus tam má převládající, dokonce všudypřítomné místo. Budovy se množí a vítají obrovské bohatství, které odpovídá hromadění „zásluh“, a to jak pro jednotlivce, tak pro národ. Zakladající král dynastie, Wang Kon, byl přesvědčen, že jeho úspěch spočíval výhradně na buddhistickém kostele. V klášterech kopírování rukopisů odpovídá této poptávce elit, hromadění „zásluh“, které je třeba formalizovat na přetížených stránkách, pracujících s pečlivostí a vzácnými a vzácnými materiály. Například práce zobrazující bódhisattvu avalokitéšvaru je zvláště ceněna pro svou eleganci a duchovnost. Transparenty věnované Buddhovi jsou obvykle zavěšeny za oltářem v hlavní hale; ostatní postavy, bódhisattvové, arhati , portréty mnichů a deset králů podsvětí, jsou umístěny v sekundárních místnostech. Velmi velké množství obrazů opatrovnických božstev, mnohem méně posvátných, má méně vymezená místa.
Znovuobjevení Korean buddhistických obrazů konaly v posledních dvou desetiletích XX -tého století. Mnoho obrazů výjimečné krásy byli v klášterech v Japonsku, od XIV th století a byl považován za čínské malby. Od roku 1978 bylo v Japonsku, Koreji a na Západě identifikováno sto svitků. Nejpočetnější nástěnné malby jsou dnes nejvzácnější (chrám Pusŏk, Yeongju ). Svislé svitky, malované podle zavedených tradic v Číně, nejčastěji představují Amitābha - kvůli velké popularitě buddhismu Čisté země - a bódhisattvové Avalokitesvara a Kshitigarbha .
Ze světské malby zvané „samozřejmě“, vylepšené barvami, téměř nic nezbylo. Lovecká scéna, o níž se říká, že je králem Kongminem (1352-1374), evokuje ve zbytcích mongolských jezdců překračujících řeku. Kromě toho, pokud jde o obraz vědců , v případě, že takzvaná Čínská malba v severní Evropě - malíři X th století, jako je Li Cheng a Guo Xi - má vliv na některé korejské malby, protože je patrný ve stylu obrazů přisuzovaných Ko Yon hui ( XIV th století), čínská malba školy jihu , během jižní Song (1127-1279) se zdá být v Koreji známo přes omezeními danými dynastie Jin (1115-1234) , Jurchen . Inkoust na papíře uchovávaný v Národním muzeu v Tokiu by stopu uchoval.
Obřad: oběti
Obřad: oběti
Obřad: mladý ženich a kůň
Starý strom s mladými výhonky
Korea Joseon (1392-1910) musí být vnímána jako dvě velmi odlišná období . Během dynastie Joseon, ale ještě předtím s dynastií Goryeo, mnoho velkých malířů byli učenci bez administrativní funkce a často násilně odstraněni z mocenských kruhů, uchýlili se a samozřejmě si vybrali důchod. To jsou seonbi .
Večerní zvon v chrámu zahalený v mlze . Zařízen ve stylu pozdní Gyeon XV th brzy XVI th století. Jedna role páru, inkoust na hedvábí, V 88 cm. Se setkal.
Seo Mun-bo. Krajina. Inkoust na hedvábí, pozdní XV th století. Yamatobunkakan , Nara, Japonsko
Učenec uvažující o řece z vysokého bodu . Kang Hui-an (in) , 1419-1467. List alba, výška 23,5 cm. Korejské národní muzeum .
Shin Saimdang (1504-1551) (malířka), Květiny a hmyz [Chochungdo].
Yi Am . Malá štěňátka, květiny a ptáci. 1500-1550. Inkoust a světlá barva, papír H. 86 cm. Muzeum umění Ho-Am
Heo Mok (1595–1682), bambusy
Yi Jeong, 1541-1622 Bambus ve větru . Early XVII th století. Inkoust na hedvábí, výška 115,6 cm. Se setkal.
První Joseon období (조선 전기). Během XV th - XVI th století tento rod má tendenci budovat království, kde elita bude vzdělávat, „království učenců.“ Jedná se o druh korejské renesance mezi lety 1400 a 1600, který jde daleko za hranice korejského umění a týká se celé korejské kultury. Jak se Renaissance Europe dívá na modely starověkého Říma, tak se Korea dívá na Čínu éry písně. Kontakt byl přímý prostřednictvím sbírky čínských obrazů královského prince Anp'yonga (1418-1453); malíř Kang Hui-an ( 1419-1467) podnikl cestu do Číny a zřejmě studoval hlavní proudy. Čínský model gramotné malby v Koreji poskytuje příležitost pro skutečné přivlastnění si témat a procesů čínského původu v žánrech krajiny a malby zvířat. Ikonografie čtyř ušlechtilých rostlin (bambus, duhovka, švestka a chryzantéma) je také prvkem specifickým pro tento obraz kaligrafy. Ani barvy, světlé, průhledné, ani tvary, stylizované, se od jejich čínského zdroje významně nemění; inkoust ve všech svých odstínech víceméně zředěných vodou nabízí základní rozsah. Dovážené techniky zabírají velké místo, jako je malování na papír, který se stává velmi rozšířeným, protože inkoust funguje mnohem lépe než na hedvábí, za nepřiměřenou cenu ve srovnání s papírem. Ale ideály dynastie Ming se často zapomínají ve prospěch starších modelů, někdy z éry písně , s krajinou evokovanou pro sebe a už ne jako pozadí narativní scény.
V korejštině se čínská krajinomalba „hora a voda“ ( shanshui , Číňan : 山水) stává sansuhwa (산수화).
Během tohoto období vliv konfucianismu nahradil vliv buddhismu, přinejmenším v královských uměleckých centrech. Buddhisticky inspirovaná malba je zařazena do soukromého prostoru, ale stále se vyvíjí a oceňuje se její jednoduchost. Střediska daleko od hlavního města se nadále udržují. Velmi barevné buddhistické bannery této doby a ve formě inspirované tibetským buddhismem by mohly dosáhnout 14m x 8m, jsou to kwaebul taenghwa . Poté byly zavěšeny mezi dvěma sloupy, jako při oslavě narozenin Buddhy. Pozdní vývoj bannerů v Koreji zvědavě odpovídá období, kdy se Čína i Japonsko obrátily k zenovému stylu malby inkoustem.
Válka Imjin (1592-1598), proti Japonci, pak válka proti Manchus , která skončila v roce 1644, zničila zemi. Rekonstrukce potrvá téměř do konce století.
Knihovna. Obrazovka se 6 panely pro dětský pokoj nebo kancelář. Barvy na papíře. Výška 172 x délka 312 cm. Počátek 18. století . Muzeum Guimet . Sbírka Lee Ufan
Portrét Park Mun-su (1691-1756) Svislý svitek, inkoust a barvy na hedvábí. Korejské národní muzeum.
Mount Inwang po dešti . Jeong Seon (Chong Son), 1676-1759. Inkoust na papíře, 1751. V 79 x Š 138 cm. Muzeum umění Ho-Am
Virūpākṣa . Barvy na lnu. Výška 301 x délka 207 cm. Britské muzeum. Strážce u vchodu do buddhistického chrámu
Obrazovka, detail. Žánrové scény. Podepsal Kim Hong-do . Cca 1768. Inkoust, barvy na hedvábí, V 108 cm, W. kap. panel 49 cm. Muzeum Guimet
Mlácení rýže. Kim Hong-do (1745-c. 1806/18). List alba, žánrové scény, inkoust na papíře, výška 27,8 cm. Korejské národní muzeum
Žena v lotosové zahradě ( Gisaeng drží saenghwang a dýmku). Inkoust, světlá barva hedvábí, výška 29,6 cm. Shin Yun-bok (c.1758-ap.1813). Pohlaví : ženy. 3 listy z alba 7. Národní muzeum Koreje.
Král Jeongjo ( 1752-1800 ). Banánový strom . Inkoust na papíře, 84,6 x 51,6 cm. Muzeum univerzity Dongguk v Soulu.
Kang Sehwang (1713-1791). List z alba Voyage to Songdo , 1757. Národní korejské muzeum
Rodina tygrů . Závěsný svitek, inkoust a barva, papír. Výška 262 cm. Konec 18. století . Cleveland Museum of Art
Druhé období Joseon (조선 후기). Obtížná obnova po válce proti Japonsku (1592-1598) a před invazí Manchu (1620-1644) se rozprostírá po celém do konce XVII -tého století. Pak může Korea konečně projít stoletím míru a dosahuje na zcela nových základech prosperity a „století osvícenství“. V XVIII th století vedle malby učenců, profesionální barva, stejně jako v Číně, cvičit dekorativní styl příjemné Zvířata do nejmenších hmyzu a rostlin, jsou sledovány a pečlivě přepisována pomocí mnohem živější barvy než v gramotný malby, zejména na obrazovkách. Na těchto obrazovkách, zejména v knihovnách, ale také v reprezentaci budov se používá kavalírská perspektiva, ale někdy se na obrazovkách obracejí (paralely ve skutečném, ne vertikálním, se liší v reprezentaci, jako posunutá transpozice vize západní) . Schází však výjimky, kdy významní prvky z hlediska „západní“ konvergující linie, stejně jako obrazovka knihovny muzea Guimet, na počátku XVIII -tého století.
XVIII th století je považována za zlatý věk korejské malby. Zhroucení dynastie Ming částečně způsobené válkou vedenou Manchusem a nástupem této dynastie k moci v Číně tlačí korejské umělce k vytváření nových uměleckých modelů založených na dynamice národního výzkumu. Nejinovativnějším umělcem v tomto smyslu je malíř Jeong Seon (Chong Son), jehož krajina evokuje nejkrásnější místa v Koreji v osobním stylu, „což z něj bezpochyby dělá jednoho z nejmodernějších malířů. Samotná Korea, ale také v umění Dálného východu “. V té době Čína, částečně otevřená kontaktům se západním světem přenášená jezuity, sloužila jako podnět pro korejské umělce. Umožňují si nové postupy a předměty, které označují jejich připoutání ke skutečně korejské moderně, inspirované silhakovým hnutím (neboli sirhak, „věda o betonu“) a zájmem rolníků a malých lidí.
Kim Hong-dělat (1745-v.1806 / 18), jméno interpreta Danwon , malíř s více kroky a zajistí přechod do dalšího období mezi koncem XVIII tého století a počátku XIX th století. Věnuje slavný notebook ( žánrová malba : pungsokhwa nebo pungsokdo ) populárním aktivitám, zachyceným v přesném okamžiku, v akci. Vize, která se odehrává v duchu doby, jako v Japonsku v době Eda , a tištěné knihy také věnované populárním aktivitám.
Malba v polovině tohoto období tedy směřuje k naturalismu. Kim Hongdo ( Danwon ), na obrazovce muzea Guimet (1778), se na svých albech v žánrových scénách, které král Jeongdo ocenil, liší od obdobného proudu v Japonsku, kde se scény života účastní ducha Ukiyo -e . Kim Hondo zachází s krajinou stejně, v tomto relativně naturalistickém duchu, s řadou pohledů na impozantní čedičové krystaly z čtvrti Gemgang (kolem roku 1788), ve kterých pár hledí na moře poblíž izolované chaty. Pro další slavné stránky ( Album roku Byeongjin , 1796) mění svůj styl a hraje tak ve své inkoustové tvorbě různé registry výrazů: buď popisnější, v prvním případě s pravidelně přesným dotekem, je evokativnější a znásobuje efekty štětce. V zásadě však není nijak vázán na objektivní vizi. „Portrét“, který maluje ve své vlastní zahradě, u příležitosti návštěvy, která mu je drahá, svědčí spíše o jeho ideálu než o realitě. Byl by tedy ve skutečnosti jen životem obyvatel města, dvorního malíře, zatímco on se vidí ve své malbě, na venkově, žije uvolněně, s přáteli, za zvuku gayageum . Kim Hongdo také využívá svého inovativního ducha při pořizování scén z každodenního života, což je album, které z něj učinilo úspěch v Koreji. Jsou to rolníci v práci, populární festivaly s jejich hrami a diváky a také ty vzácné okamžiky „erotického“ překvapení, s prsy s holými prsy a malým indiskrétním pohledem skrytým za jejím fanouškem. Téma je pak zvednut jiných malířů, včetně Shin Yun-bok (1758 AD. 1813) ve více přímým výhledem případně koupající se na počátku XIX th století. Alba se žánrovými scénami se v současné době znásobila. Dobrým příkladem je žena v lotosové zahradě ( gisaeng, která drží saenghwang a dýmku), jeden ze 3 listů alba 7 na téma žen. Une beauté , obraz ženské krásy, dává Shin Yun-bokovi na velkém obrazu (114 x 45 cm) příležitost vyvolat jeho křehkost výběrem okamžiku, postoje a výrazu. Osobní poznámka v kaligrafii s humorem ukazuje, že přijal výzvu takové jemné evokace.
Od doby království Silla pod králem Heonggangem (r. 875-886) měla tradice připevňování podobizny Dračího krále, boha neštovic, na dveře chránit domov před epidemiemi, zejména neštovice. během období Joseon se k tomuto časnému zvyku připojily obrazy tygrů a draků. Na lunárním novém roce a na obou stranách dveří byl připevněn obraz tygra a draka, první měl za úkol vyhnat zlé duchy, protože drak měl přilákat příznivé duchy. Takové obrázky tvoří žánr minhwa .
Obraz na plátně mezi lety 1851 a 1900. Munjado (jen několik prvků postav pro synovskou zbožnost) spojený s kapry. Výška 76 cm. Brooklynské muzeum
Munjado ( XIX th století se stejnými motivy, ale jinou stylizaci)
Dva obrazy, zde lotos a pivoňka. Výška 176 cm. Brooklynské muzeum
Obrazovka typu Chaekgeori s mnoha symboly štěstí. Institut umění v Detroitu
Minhwa s motivem tygra a dvojice strak. Papír nalepený na dveřích lidové vesnice ( minsokchon )
Tyto obrazy, které obsahovaly přání štěstí, byly denně doprovázeny dalšími obrazy určenými k vyvolání dalších přání štěstí. Čínské znaky, které vyvolaly jinde na Dálném východě štěstí, úspěch a dlouhou životnost, se tedy v korejském populárním umění Joseona nacházejí ve formě zdobených ideogramů vyplývajících z konfucianismu, známého jako munjado („malování čínskými znaky“): osm konfuciánských ctností synovské zbožnosti, bratrské lásky, loajality, spolehlivosti, zdvořilosti, úctyhodnosti, skromnosti a schopnosti cítit hanbu. Další vyobrazení jsou symboly štěstí: obrazovky jsou tedy zdobeny pivoňkami, ale také lotosovými květy, fénixy a netopýry. Mužské potomky jsou vyvolávány melouny, granátovými jablky, hrozny nebo semeny lotosu. Přání k úspěchu, amarant, páví ocasní pero, knihy a kapr. Nakonec jsou přání dlouhověkosti vyjádřena zastoupením bambusu, jeřábu, slunce a měsíce, želvy, jelena a houbou nesmrtelnosti ( lingzhi ). Tyto symboly nadále sloužily jako opakující se motivy v korejském umění obecně i po Joseonově období.
Korea National Palace Museum má několik obrazovek, které sdílejí, s populární malbou, stejná témata jako malba pivoněk.
Portrét Cho Man-Yonga. 1845. Yi Han-ch'ol (1808-?). Barvy na papíře, výška 51 cm. Muzeum Guimet
Orchideje. „Světla v Seonran, Sumuk, ostrov Jeju “ (v exilu). Kim Chŏng-hui (1786-1857). 난 맹첩. Inkoust na papíře, 27,0 X 22,9 cm. Muzeum umění Gansong
Lotos a kapr. Sítotisk připevněný na roli, výška 96,5 cm. Inkoust a barvy na bavlně. XIX th století. LACMA
Jung-sik (1861-1919). Chvalozpěv mezi stromy , inkoust na papíře, 1910
Květiny, ryby, mudang a chaek'kori . Obrazovka, XIX th století. Barvy na papíře,
H. 101, W. 370 cm. Muzeum Guimet . Sbírka Lee Ufan
Východní paláce , Donggwol-do . 1828-30. Obrazovka se 16 listy, barvy na hedvábí, 274 x 578,2 cm. Univerzitní muzeum Dong-A, Pusan.
Malba na obrazovce s osmi listy. Měsíc leden. XIX th století. Národní palác muzeum, Soul
Malba na obrazovce. Měsíc leden
6listová obrazovka. Irworobongdo : Slunce, Měsíc a Pět vrcholů. Délka 270 cm. Královský palác.
Jung-sik (1861-1919). Krajina v Yeong-gwang . Screen, 10 f., 1915. Ink and col. mírný s. hedvábí. L. 473 cm. Leeum, Muzeum umění Samsung .
Objevuje se také nový styl krajinomalby: převzetí kódů reprezentace architektonického prostoru integrovaného do pozorované krajiny, použití na Západě. Na konci století vytvořil An Jung-sik (1881-1919), poslední dvorní malíř, mezi bohatými rodinami monumentální krajiny ve stylu, který zahrnoval gramotnou tradici inkoustu, jeho jemnou kresbu a její světlé barvy. , k omezenému využití perspektivy soustředěné na Západ. Jen začleněny tyto nové prvky s velkou jemností, který si ponechá všechny prostředky gramotný tradici až do roku 1915, zatímco malba mnohem přímo inspirovaný West vyčleněna olejomalby a zatáčky do Japonska na začátku XX th století.
Malování obrazovky s motivem knihy má velký úspěch v XVIII th a XIX th století. Přesněji řečeno, tento motiv, známý jako chaekgori , rozvíjí zátiší na obrazovkách a je tvořen výběrem předmětů používaných vědci. Jeden se tam setkává s knihami, ale také s materiálem kaligrafa, vázami vysoké hodnoty, květinami a parfémy a mnoha dalšími vzácnými a dekorativními předměty nebo jejichž hodnota je spíše symbolická. Malíř si přivlastňuje účinky perspektivy, které se Čína právě dozvěděla prostřednictvím jezuitů v Pekingu a přenášených prostřednictvím korejských ambasád. Procesy, které lze přirovnat k kavalírské perspektivě, se na Dálném východě používaly od období Han. Tyto nové procesy jsou v souladu s chutí reformy, které podporuje pohyb Silhak , „praktická výuka“ iniciovaný korejský encyklopedisté XVII th století a podporoval krále Jeongjo (1752-1800). Tyto obrazovky tak mohou evokovat kabinety kuriozit, ale s čínskými a západními produkty, a tak obrátit perspektivu, exotiku vnímat z Koreje. Knihy v těchto obdobné evidence jsou všechny baterie v XXI th století, jeden aspekt překvapivě „moderní“ nebo „ minimalistický “. V těchto nepřehledných prostorech se extrémně vzácné objekty odrážejí od děl, z nichž si člověk může představit pouze extrémní intelektuální hodnotu: „abstraktní fantazii“, podle Lee Ufana .
Od 80. let 19. století do roku 1945 zažili tradiční umělci obtížné období. Japonští útočníci se pokoušeli vymazat a eliminovat korejské umění rabováním a ničením uměleckých děl, zavíráním korejských uměleckých škol a nutením několika zbývajících umělců následovat japonský styl.
Bylo to od roku 1910, pod japonskou okupací, že korejské umění přišlo do úzkého kontaktu se západním uměním. Technika olejomalby s akademickou malbou je představena jako moderní styl, impresionismus a fauvismus . V té době pořádá koloniální vláda nejvýznamnější každoroční výstavu umění, porotci jsou japonští nebo pro-japonští spolupracovníci, kteří upřednostňují modernismus, proto olejomalba a snaha vyloučit kaligrafii . Tyto změny postranily tradiční korejské malíře. Na druhou stranu je olejomalba špatně přijímána, protože je považována za nástroj kolonizátoru k tomu, aby korejská malba zmizela. Nakonec se tradiční malba modernizovala a silně připomínala moderní japonskou malbu, která byla silně inspirována západním moderním uměním.
Misul : V roce 1911 založila skupina korejských malířů-kaligrafů Institut kaligrafie a výtvarného umění ( sohwa misulhoe kangsupso ), první uměleckou školu; je to poprvé, co se v Koreji používá západní pojem umění, slovo misul . V roce 1918 a navzdory současným obtížím byla vytvořena „Společnost malířů a kaligrafů“. Jeho prezidentem je inkoustový malíř An Jung-sik (1861-1919). Ostatní malíři jsou převážně malíři inkoustů, včetně Jo Seok-jin, O Se-chang, Kim Gyu-jin, Kim Eung-won, Jeong Hak-kyo a Yi Do-yeong. Moderní malíř Ko Hui-dong přináší této společnosti nové nápady. V roce 1921 otevře svůj první salon s názvem Hyeopjeon (výstava společnosti). Zájem umělců o nová díla se v jejich praxi neodráží, protože podléhají konzervativnímu vkusu potenciálních kupců.
Vývoj malby Ko Hui-donga (1886-1965) nám umožňuje vnímat dotyčné pohyby, jako první studoval západní malbu. Jeho otec z rodiny Yangbanů studoval v Číně a stal se prvním Korejcem, který vystupoval v angličtině, poté byl součástí první korejské delegace do Spojených států v roce 1883. Začal se zajímat o malbu a poezii. Malý Ko Hui-dong studoval na francouzské škole Hanseong. Studuje tradiční malbu. V roce 1909 odešel do Tokia a na Tokijské škole výtvarných umění praktikoval malbu u Kurody Seiki. Čínskou tradici malířství vnímá jako vězení, do kterého byli chyceni malíři i sponzoři, znepokojení svou příslušností k gramotné třídě. V roce 1915 zastupoval La La Prage à la Rivière , pár v práci v krajině, která se táhla až k obzoru, inkoustem a světlými barvami na hedvábí (23 x 27 cm). Zatímco se vrátil z Tokia, kde se učil olejomalbě . Jak však poznamenává Kim Youngna ve své vzácné práci o moderním a současném korejském umění, tento zdánlivě tradiční obraz není. Za prvé, subjekt, protože prolomení tabu reprezentovat muže a ženu ve stejném veřejném prostoru, poprsí muže, který je navíc nahý. Pokud jde o krajinu, představuje tři roviny západního prostoru s namodralým odstupem. Ko Hui-dong spojil své síly s několika uměleckými skupinami a učil mimo jiné olejomalbu. Krásný autoportrét v oleji z roku 1915 svědčí o jeho zvládnutí moderní přírodovědecké figurace se zelenými stíny na obličeji a modrofialovými na košili, při zachování jemnosti v modelování.
Mnoho moderních korejských malířů modernizuje své malby v západním přírodovědném stylu tradičními prostředky, barvami na hedvábí, včetně Kim Un-ho v roce 1923 (inkoust a barvy na papíře), Chang Woo-soung, v roce 1943 (formát monumentální, 215 x 171 cm). Jiní jsou pevně odhodláni k roztržení, jako Yi Ma-dong, v jeho portrétu muže z roku 1931, v oleji, jednoduché vztyčené postavě, s mocnými reliéfy. Totéž platí pro portréty žen, v jejich interiéru „modernizovaném“ gramofonem nebo uvolněnou pózou, To Sang-bong v roce 1933, nebo žena vykonávající „profesi muže“ před svým mikroskopem, v precizním stylem (Yi Yu-tae v roce 1944). A konečně problematičtější jsou ti, kteří volí motivy „lokálních barev“, jako je Lee In-sung (1912-1950), jehož přístup lze stejně snadno připsat dominantnímu kolonialismu nebo jako značka nacionalismu.
Kolonizátor uspořádal první výstavy umělců, nejprve japonských, poté korejských v roce 1916, s cílem odpolitizovat některé intelektuály. První „Joseon Art Exhibition“, navržená a především pro kolonizátory, se konala v roce 1922. Zavedení Nude jako uměleckého žánru navíc narušilo konfuciánské hodnoty a chování. Většinu členů porot tvořili profesoři nebo umělci z Tokijské školy výtvarných umění. Expresionistické zkreslení, použití barevných odstínů jsou indikátory intenzivního oběhu informací v mezinárodním uměleckém světě, který zasahuje do Koreje. To jistě nepožádá o část „identity“ korejského umění (Pai A-soung, Family , 1930-1935, 140x200 cm.): Frontální , modelovaný téměř nekompoziční vlys s efektem částečné symetrie, tradiční kostýmy, redukovaná paleta , tlumené tóny. Rodinný portrét se nemůže odchýlit od naturalismu a hledá „přirozeně“ formulaci, ve které jsou stále patrné staré kódy. Na druhou stranu se mnoho Korejců, včetně některých umělců, pokusí najít na Západě od povstání 1. března a jeho represí v roce 1919, poté druhé světové války a poté v kontextu korejské války (1950-1953) svoboda a bezpečnost, které jsou pro ně v jejich vlastní zemi nepřístupné. Paříž vítá několik, čerpaných z 50. let kulturním vlivem francouzského hlavního města v mírumilovné Evropě. Kim Wanki, jejíž malba se vyvíjí od stylizované figurace (1950) k monochromatické abstrakci (1970), prochází Paříží v letech 1955 až 1958.
Výjimečná osobnost Yoo Youngkuk ( 1916-2002) vybudovala první formy korejského geometrického abstraktního umění v Tokiu během svého výcviku na odborné škole Bunka Gakuin ve třicátých letech minulého století, ale v samouk Odlehčení z roku 1939 (rekonstruovaná v roce 1979) je složen ze 6 jednobarevných obdélníků lakované olejové barvy, částečně se překrývající pro některé, jiné pouze v kontaktu pod úhlem, v 6 odlišných reliéfech, přímo na zdi. Také se tam naučil fotografii. Po návratu do Koreje ukončil veškerou uměleckou praxi v letech 1943 až 1955. Poté se stal propagátorem krajinné abstrakce, která byla mezinárodně uznávána v 60. a 70. letech.
První generaci malířů zastupují Kim Jugyong (1902-1981) a Kil Jinsop (1907-1975), kteří používají olej, byli mezi několika privilegovanými, kteří mohli studovat v Japonsku. Po svém příjezdu do Severní Koreje se politicky angažují, Kim je zvolen do ústavní rady a provádí vlajku a státní znak. Kil se stává rozhodujícím teoretikem při hledání nové korejské estetiky. Ve skutečnosti je po koloniálním období nesmírně důležitá společná tvorba umění.
V padesátých letech měl socialistický realismus stále velký vliv. Časopis Joson Misul ( korejské umění ) v roce 1959 tedy vysvětluje, jak sestavit portrét pracovníka v tomto stylu: svalnaté a zpocené tělo, špinavé a roztrhané tílko a temný vzduch. Krátce poté, v 60. letech, byla zavedena do praxe ideologie Juche : pracovníci byli zastoupeni čistí, dobře oblečení a s úsměvem na tváři. Následně článek 45 ústavy z roku 1972 definoval umění Juche jako formálně národní a obsahově socialistické.
Pro korejské malíře poválečného období se s touto generací obnovuje figurální malba . Slavné Bílé hovězí maso (1954) od Lee Jung Seoba, expresionistického, strašně hubeného, je obrazem země, jejích obyvatel a tohoto umělce, který se nedokáže odtrhnout od chudoby. To Park Soo-keun (1914-1965) je před válkou odděleno od formalizmu geometrické figurace a zavádí drsné „kubistické“ materiály v souvislosti s reprezentací extrémně obtížných materiálních životních podmínek korejského lidu. - válečné období.
Během tohoto období místo v Paříži mizí ve prospěch amerického „parního válce“, podporovaného agresivní zahraniční politikou, a to i na kulturní úrovni. Americké umělecké časopisy z padesátých let rychle šířily obraz děl, která se stala světově proslulými a napodobenými. Je čas na newyorské škole a Jackson Pollock se stal ikonou. Pojmy individualismus a riziko v jeho malbě představují charakteristiky moderní mezinárodní kultury, se kterou se nový liberalismus v době studené války ztotožnil. Lee Ungno (1904-1989), který se věnoval tradici inkoustového malířství, studoval v Japonsku a poté našel nový život v Paříži v roce 1958. Jeho přivlastnění si figurace a abstrakce, jak je praktikuje moderní hnutí, a tradičními prostředky, korejským inkoustem a papírem , konverguje s dynamikou Koreje v 80. letech, v letech demokratizace a dále, celé části korejského současného umění.
V šedesátých letech dominovala abstraktní malba, velmi důležité bylo téma malby. Tato abstraktní malba jde až k neformálnímu umění nebo abstraktnímu expresionismu . Tyto tendence se shromažďují v Asociaci současných umělců kolem roku 1957. To je případ Ha Chong-Hyun, mezi mnoha jinými, a Park Seo-bo (1931), v 50. letech, s mnoha dalšími. Velmi vysoké reliéfy, jako Soulages ve stejných letech. Park Seo-bo pak často vychází z významnosti drceného oleje a evokuje materiály grafickými prostředky ( spisy od 70. do 2000. let) na útkových kompozicích, téměř minimalistických, dokonce monochromatických. (2017). Redukce plastických prostředků, která se projevuje v přístupu Park Seo-bo, je obecným uměleckým trendem od konce 60. let. Dobrým příkladem jsou obrazy Agnès Martin (1912-2004) ve Spojených státech. . Tento proud také povede k vizi obrácené k nehmotnému, s téměř nerozeznatelnými, dokonce monochromatickými barvami, jako jsou barvy Park Seo-bo v roce 2017.
Zcela jiná cesta, Art minjung , patří k hnutí zpět k figuraci, mezinárodnímu hnutí, které zde v korejském politickém kontextu 80. let proběhlo pod autoritářským režimem generála Chun Doo-hwana (u moci od roku 1980 do roku 1988). Mladí umělci té doby, na rozdíl od kapitalismu a buržoazní kultury, oživují tradice buddhistického obrazu, dřevorytů, obrazů šamanismu, stále populárních, a chtějí vytvořit národní kulturu na základě toho, co populární masy v Koreji. Jsou ostře kritičtí vůči modernímu konceptu „ Umění kvůli umění “. Oh Yoon (O Yun) (1946-1986) je dobrým příkladem známý svými dřevoryty. Proto znovu aktivoval vzorce moderní xylografie ( německé expresionistické rytiny z doby před rokem 1918) kulturně dobře označenými motivy s pečetí Koreje. Jedná se o minjung (en) jako kulturní, politické a populární hnutí v boji za demokracii. Toto hnutí vychází z národní tradice, která byla předtím znehodnocena: lidové umění , žánrová malba (například Danwonovy kresby ), rytiny a narativní charakter buddhistického umění, který je snadno karikován a oslovuje každého.
Možný rozdíl mezi moderním nebo současným uměním, implikovaným „mezinárodním“ a striktně „korejským“ uměním, upřednostňoval uznání malby v inkoustu nebo inkoustu a barvách, známé jako Hanguk-hwa . Tato figurální malba, někdy podrobného realismu, ale jinde s mocnými hrami vody nebo inkoustu, může vést k evokaci téměř abstraktní krajiny, krajinné abstrakce. Stále se praktikuje v roce 2016.
Od 60. let 20. století mezinárodní tendence k výbuchu žánrů, malířství, sochařství, fotografie, videa, performance ... vytvořila nové a často hybridní formy. Současné umění stále více těží z globalizace informací a korejští umělci, stejně jako ostatní, kolují po celém světě. To neznamená, že je všechno stejné, ale pojem současného korejského umění platí pro všechny umělce korejského původu, kteří v Koreji často chybějí, a jelikož se dnes umělci zdají odděleni od tradičního korejského malířství. Jejich odkazy na Koreu, znalosti země a její historie však jejich práci živí. Lee Ufan rychle vytáhne čistě modrou stopu na porcelán Park Youngsook, což evokuje mnoho vazeb na historii korejského umění . Postupy současného umění se rozšířily v 70. letech po celém světě, často se staly monumentálními ( Mono-ha ) a byly obnoveny kontaktem s novými technologiemi, jako je videoart . Umělci zdůrazňují svůj přístup bez ohledu na to, jaký způsob zvolili. Malba je tedy často pouze prostředkem, který je často spojován s ostatními, aby vytvořil účinek na diváka. Lee Ufan (1936-) je zásadní osobností současného umění, která v této perspektivě používá malbu. Podílel se na zakládajících textech Mono-ha (1968-1975) v Tokiu, doslova „Škola (-ha) věcí (mono)“. Spojuje různé materiály, ale také tyto materiály a okolní prostor. Mohlo by se jednat o jednoduché připevnění štětce naloženého hmotou v roce 2010, který odhalí nejintenzivnější modrou barvu po průchodu keramickou pecí na porcelánové desce nejčistší bílé od Park Youngsook (1947-). Obrazy v muzeu Lee Ufan v Naoshimě jsou ve vztahu k prostoru obrazu vytvářeny „tahy štětcem, které se synchronizují s rytmem klidného dechu umělce“.
Současné umění, které praktikují umělci korejského původu, ale často žijí jinde ve světě, se podílí na neustálé obnově uměleckých forem, v nichž malba nadále žije.