Barokní pokrývá velké období v historii hudby a opery . To se táhne od začátku XVII -tého století do poloviny XVIII th století , více nebo méně jednotné v jednotlivých zemích. Barokní estetika a inspirace jsou nutně schematicky nástupcem renesance , vrcholku kontrapunktu a polymelody, a předcházejí klasicismu , zrodu diskurzivních a racionálních prvků, jako je přerušovaná hudební fráze jako v „architektuře“. Barokní hudební „figury“ jsou podporovány velmi stabilním basem Continuo . Můžeme říci, že jsme na křižovatce mezi kontrapunktem a harmonií.
Slovo „barokní“ pochází pravděpodobně z portugalského baroka, které označuje perly nepravidelného tvaru. Byl vybrán, aby zpočátku pejorativně kvalifikoval barokní architekturu pocházející z Itálie . Toto slovo bylo používáno pouze pro označení hudby tohoto období z 50. let (v roce 1951 vznik „L'Ensemble Baroque de Paris“ francouzským cembalistou Robertem Veyron-Lacroixem ). Jakákoli pejorativní konotace od té doby zmizela a tento termín má nyní tendenci označovat spíše období kompozice než charakter díla.
Éra barokní hudby začíná symbolicky v Itálii operou Claudia Monteverdiho (1567-1643), L'Orfeo ( 1607 ) a končí současníky Johanna Sebastiana Bacha , Georga Friedricha Händela a Antonia Vivaldiho . Jean-Philippe Rameau (1683-1764) a Georg Philipp Telemann (1681-1767) z důvodu své dlouhověkosti složili svá poslední díla v šedesátých letech 17. století, ale dlouho před tímto desetiletím se mladší skladatelé uchýlili k novému stylu.
Během období baroka se instrumentální hudba emancipovala a skutečně se zrodila: již nebylo spokojeno doprovázet nebo dotvářet v podstatě vokální polyfonii ; jestliže si půjčuje na začátku XVII th století , tvoří vokální hudby , ona je rychle rozvíjet své vlastní struktury přizpůsobené jejich technických a výrazových možností.
Dva póly barokní hudby jsou Itálie a Francie , jejichž styly jsou navzdory vzájemným vlivům velmi odlišné. Tato opozice byla taková, že mnoho hudebníků z jedné ze škol zašlo tak daleko, že odmítlo hrát díla z druhé. Italský styl se rozšířil mimo Itálii. Francie je pravděpodobně země, která odolala nejvíce této nadvládě, pod vlivem Jean-Baptiste Lully (Italian naturalizovaný francouzsky), dokud se hádce Šašci v polovině XVIII tis . Francie navíc se zpožděním sledovala evropské hnutí vývoje hudby směrem ke stylu známému jako „klasický“, ilustrovaný zejména Haydnem a Mozartem.
Existují i jiné domy, které se účastní hnutí tím, že přinášejí jejich specifika: Nizozemsko a severní Německo ( stylus fantasticus , chorál), Anglie (umění variace), trochu Španělsko , kde africký vliv přináší dva rytmické prvky, synkopa a neúspěch . V německé hudbě se objevuje syntéza, která si vypůjčuje tyto odlišné proudy a vrcholí prací Johanna Sebastiana Bacha . Existuje také mnohem méně úspěšným způsobem, s několika dalšími, včetně Johanna Jakoba Frobergera („evropského“ hudebníka par excellence), Georga Muffata , Savoyarda, který se stal Rakušanem poté, co studoval ve Francii a Itálii , a Françoise Couperina ( The Tastes Reunited) ). Pokud jde o Georga Friedricha Händela , jeho práce je spíše záležitostí osobní asimilace každého stylu než skutečné syntézy: ví, jak komponovat jako severoněmecký, jako italský, jako francouzský, a dokonce vytváří nový žánr l „ oratorium v angličtině.
Barokní styl se vyznačuje zejména důležitostí kontrapunktu, pak harmonií, která se postupně obohacuje, zvýšenou expresivitou, významem věnovaným ornamentům , častým rozdělením orchestru na basso continuo , kterému se říká ripieno , skupinou sólistů, kterou je koncertino, a technikou basso continuo v číslech jako doprovod k sonátám. Je to naučený a propracovaný styl.
Barokní styl vyjadřuje také mnoho kontrastů: opozice drží noty / krátké noty, nízké / vysoké, tmavé / světlé (hlavní akord na konci menšího kusu) ... nebo vzhled koncertu (od l Italský koncertar , „dialog“), který staví sólistu do opozice vůči zbytku orchestru ( tutti ), opozice mezi invenčními skladbami (předehra, toccata, fantasy) a konstruovanými skladbami (fuga) jsou pouze příklady.
Klasicismus se později zaměří na „návrat k přírodě“. Konfrontace těchto dvou ideálů nachází jednu z nejznámějších ilustrací ve vehementním „ Querelle des Bouffons “, kterému čelí, ve Francii kolem roku 1740 francouzská lyrická tragédie a italská opera-bouffe ( Rameau proti Rousseauovi ).
Během tohoto století a půl vzniklo mnoho hudebních forem: některé zde dosáhly svého vrcholu (například: suita, koncertní koncert ...), aby pak upadly v zapomnění, jiné zažijí jmění, které vydrží dlouho po skončení doby baroka:. v opeře , v sonáty (která bude vyvolávat symfonii ), na koncert a sólisty .
Barokní období je také důležitým okamžikem pro rozvoj hudební teorie. Postupně jsme se projít z hudební klíče od polyfonie (církevní tóny chorálu ) k temperované stupnice a na obou hlavních a menších režimů odkázala klasického období. Mezitím vymyslíme a experimentujeme s mnoha temperamenty a položíme základy klasické harmonie . Nástroje jsou vymazány, jiné se objevují nebo mají konečnou podobu, zatímco na faktuře dochází k velkému pokroku a techniky provedení se stabilizují a kodifikují. Je to tedy ve všech ohledech velmi plodné období.
Mnoho prací z tohoto období, včetně nejvíce poznamenána kontrapunktu , zažil dlouhé zatmění konce XVIII -tého století až do poloviny XX th století . Händelovo dílo přežilo ve Velké Británii po jeho smrti, zejména díky jeho nejslavnějšímu dílu Mesiáš , a to díky koncertům jeho asistenta Christophera Smitha, dostupným vydáním a zejména podpoře George III během vzpomínkových akcí. Konaných ve Westminsterském opatství v 1784. Händelova Mesiáše se začne šířit po celém severním Německu. Ve Vídni si baron Van Swieten , obdivovatel Bacha a Händela, objedná koncertní ujednání, mimo jiné od Mesiáše po Mozarta. Ten rovněž zajistí díla Bacha. Bach byl téměř zapomenut ze své smrti (1750) do roku 1829 , kdy došlo k návratu (iniciovaného Félixem Mendelssohnem ) umučení podle svatého Matouše v repertoáru po století zanedbávání. Po této události vzrostl zájem o hudbu z minulosti, která jako by se nikdy nevrátila do repertoáru. Někteří muzikologové se však pustili do kompilace a kritického vydání děl velkých skladatelů, jako jsou Bach , Handel , Charpentier , Rameau , Couperin ... Nástroje se vyvinuly a některé zmizely; cembalo vzkříšen na začátku XX th století pod vedením notoricky známé Landowska stěží se podobá tomu z velkých pařížských faktorů XVIII -tého století; violy již dávno ustoupily. V Schola Cantorum , Vincent d'Indy pracoval jako restaurátor starověkého a barokní hudby, od Palestrina, Bach, Monteverdi se Gluck, Corelliho, Destouches. „Historické koncerty“ Schola Cantorum (které přilákaly uměleckou elitu Paříže, od Léona Bloye po Debussyho) odhalily řadu starých děl, která se již nehrála. V této souvislosti uspořádala Wanda Landowska třídu cembala na rue Saint-Jacques .
XX th století, baroka začíná v roce 1904, kdy Albert Schweitzer publikoval knihu s názvem „ Bach, hudebník a básník .“ Poté se otevírá nová éra, kde barokní hudba již není studována pouze v její jistě brilantní architektuře, ale také v kráse linie, pravdivosti designu a ve všem, co je schopno se pohybovat. Při studiu J.-S. Bacha se navíc objeví jméno Vivaldiho přepisem vložených koncertů. Navzdory výzkumu a porozumění veškerému hudebnímu dědictví barokní Evropy provedenému řadou muzikologů, zejména francouzským André Pirrem a Marcem Pincherlem nebo italským Fausto Torrefranca (it) , bude šíření této hudby nakonec až do roku 1945 docela důvěrné. .
Mezitím na počátku XX th století některé vášnivé hudebníci usilovat o splnění zásad výkladu v období baroka. Také pod popudem tvůrců nástrojů, kteří se jim snaží pořídit kopie starých , studují tito hudebníci pojednání o popravě, kterou zanechali teoretici, velmi rozptýleným způsobem obecně.
Tento avantgardní byl uveden jako první v Velké Británii francouzským houslistou a přístrojů výrobce Arnold Dolmetsch (1858-1940), ve Francii od Henri Casadesus ( viola d'amore ) a Édouard Nanny (kontrabas), který v roce 1901 jsou ko -creators typu „staří nástroje koncertní společnost“, pod vedením skladatele Camilla Saint-Saëns , který si klade za cíl oživit hudbu XVII th a XVIII -tého století, někdy s použitím dobových nástrojů.
V Německu měl violoncellista Christian Döbereiner (1874-1961) na starosti uvedení violy zpět do centra pozornosti. V roce 1905 založil Vereinigung für Alte Musik . Hnutí „violistů“ 20. let 20. století bylo formou protestu proti uměleckému hudebnímu „establishmentu“.
Od roku 1927 v Německu experimentoval hudebník August Wenzinger (který po druhé světové válce dirigoval slavnou Schola Cantorum Basiliensis ) s hraním nového hřiště ( a = 415 Hz , půltón nižší než 440 Hz) pod patronátem průmyslníka a amatérského houslisty Hanse Hoesche.
V první polovině století došlo také k exhumaci některých děl, například některých Händelových oper, které se neprováděly déle než 150 let. V naprosté neznalosti pravidel operní serie jsou role dříve přenesené na kastraty - navíc mezitím zmizely - přepisovány pro mužnější hlasy, proto jsou považovány za realističtější pro hrdiny mytologie nebo historie, za cenu skutečného „padělání“ skóre minulosti.
V roce 1953 - těsně po příchodu desky LP - zrod značky Erato ve Francii skutečně odstartoval objev barokního repertoáru. S Jean-Françoisem Paillardem a prestižními hudebníky jako Maurice André , Jean-Pierre Rampal , Marie-Claire Alain nebo Pierre Pierlot objevují Francouzi pomocí LP díla barokního repertoáru: tito hudebníci, kterým jsme Dlužíme často první nahrávky většiny děl Telemanna , Händela nebo Vivaldiho , cestují po celé planetě a zavádějí nový způsob hraní. Jejich styl je založen na všech dostupných spisech, které poskytují informace o tom, jak interpretovat barokní repertoár; ale tito hudebníci se nechtějí vrátit ke starým nástrojům. Firma se jako první specializuje na tento adresář. Za deset let se jeho úspěch rozšíří na všechny kontinenty. Dlužíme také Antoinovi Geoffroy-Dechaumeovi , varhaníkovi a muzikologovi, že se shromáždili v referenční knize Tajemství staré hudby, výzkumu interpretace a muzikologickém výzkumu doby barokní interpretaci.
Ostatní evropské země se rovněž podílí na obnově barokního repertoáru: musíme citovat německý Karl Richter , jehož interpretace Bachovy náboženské hudby mají obrovský mezinárodní publikum, nebo skupiny, jako jsou I Musici v Itálii nebo English Chamber Orchestra. V Anglie.
Na začátku 70. let dosáhla distribuce barokních děl svého vrcholu: ve Francii od konce 60. do začátku 80. let prodej desek věnovaných baroknímu období přesáhl 30% z celkového prodeje klasických desek. .
V 70. letech zpochybňovali „hnutí“ Gustav Leonhardt , Nikolaus Harnoncourt a dirigenti a umělci jako Jean-Claude Malgoire , John Eliot Gardiner nebo Sigiswald Kuijken , Trevor Pinnock , James Bowman nebo Reinhard Goebel zavedením starých nástrojů, úpravou ladění vidlice, nahrazující ženy s dětmi ve sborech, aby hledaly ztracený zvuk. V té době se tomuto hnutí nejčastěji vysmívali „zavedení“ hudebníci. Kompletní záznam z posvátných kantát z Johanna Sebastiana Bacha prováděných společně Nikolaus Harnoncourt a Gustav Leonhardt v roce 1971 se stal hobbyhorse z těch, které kritici brzy nazýván, s určitým despektem jen „ baroka “ nebo „baroquisants.“. Staré nástroje, mužské sbory a sólisté, altské árie svěřené muži. Mnozí povstávají a pláčou skandálně, dokonce jsou šokovaní, jako je Antoine Goléa ", který po hněvu plivl na jedno ze svých pyramidových schémat poté, co uslyšel nahrávku Alfreda Dellera : " Tento muž, který zpívá ženským hlasem, je ... ... je to ... no, víš, co tím myslím! " .
V osmdesátých letech se postupně objevovali zmiňovaní umělci a zrod nových talentů, jako jsou: William Christie , Philippe Herreweghe , René Jacobs , Gérard Lesne , Jordi Savall , Ton Koopman , Christophe Coin ... V devadesátých letech se pohyb staré hudby je dobře zakořeněný v hudební praxi díky nové generaci, přinejmenším v Evropě. Zastupují ho zejména Marc Minkowski , Hervé Niquet , Christophe Rousset , Hugo Reyne , Philippe Jaroussky , Martin Gester a mnoho dalších.
Mluvíme pak o „barokní interpretaci“, kdy se dirigent rozhodne hrát dílo s nástroji doby, takzvané rytmy času (rychlejší) a předpokládané ladičky té doby.
Použitá výška tónu byla skutečně proměnlivá v závislosti na umístění, často určována délkou trubek varhan, samotnou funkcí bohatství farnosti a rozpočtem, který mohla věnovat na výrobu nástroje. Výška tónu, to znamená hodnota reference „A“, se může lišit nad nebo pod „440 Hz “ romantického akordu.
Od roku 2000 lze dnes dosáhnout určité shody v interpretaci barokních stránek. „Moderní“ hudebníci vzali v úvahu jasnost diskurzu vynuceného „barokem“ a takzvaný „baroqueux“ se vrátil k určitým bodům, které rozdělily kritiku: například hlasy dětí téměř zmizely z nahrávek náboženských vokální díla. Navíc ve většině zimních zahrad a hudebních škol po celém světě je nyní nabízena praxe starých nástrojů, ale stále je to relativně okrajové.
Soubory barokní hudby Festivaly barokní hudbyObjevení tohoto repertoáru je věnováno mnoho hudebních festivalů , zejména v Evropě. Nejznámější jsou Utrecht (Festival OudeMuziek), Innsbruck (Festival barokní opery), York nebo Bachův festival v Lipsku . V roce 2011 se v Benátkách poprvé konal festival Monteverdi Vivaldi, který pořádalo Benátské centrum barokní hudby .
Ve Francii jsou nejznámější festivaly Ambronay , Arques-la-Bataille , Beaune , Chaise-Dieu , Conques , Lanvellec , Paříž , Pontoise , Sablé-sur-Sarthe a festival Sinfonia v Périgordu .
V Severní Americe existují významné festivaly barokní hudby ve Spojených státech, jako je Boston , Indianapolis nebo Carmel , stejně jako v Kanadě s Mezinárodním festivalem barokní hudby Lamèque v New Brunswicku , Montrealským festivalem. Barokní v Quebecu a Festival de Musique Ancienne de Vancouver .
Některé nástroje jsou speciálně ve vztahu k okamžiku, kdy dosáhnou svého vrcholu (faktury jako literaturu) před znát pokles nebo úplné zapomnění polovině XVIII -tého století do počátku XX th století nebo novější. Tradici mezitím ztraceného faktury bylo možné obnovit, alespoň částečně, analýzou starých nástrojů, které zůstaly, a studiem smluv, pokud existují.
Zde je seznam skladatelů z období baroka .
Oddíly:
Webradio (internetové rádio):